Thomas Vinterberg. “Une rangée de plus” Dogma ’95

Il y a 27 ans, le 13 mars 1995, le controversé Pledge of Purity, le décalogue du groupe Dogma ’95 fondé par deux grands cinéastes Lars von Trier et Thomas Vinterberg, se terminait à Copenhague. Ce mouvement-manifeste idéaliste s’opposait à l’Artificiel par plusieurs commandements qui semblaient définitifs – interdiction de nommer un réalisateur, d’utiliser la lumière artificielle, de construire une histoire dans un genre cinématographique, etc. ; évidemment, le manifeste proposait une quasi-superposition de la convention du long métrage dans le registre du film domestique, approximation aussi imperceptible, objective et crédible de la réalité que possible. Deux des films emblématiques de ce mouvement étaient Festen / Celebration (Thomas Vinterberg, 1998) et Idioterne / Idiots (Lars von Trier, 1998), mais le manifeste est mort prématurément en raison des fausses attentes imposées et de ses limites – l’impossibilité de construire un réalité parfaitement inchangée dans la convention d’un film de fiction, où rien ne peut être complètement accidentel. Je trouve fascinant de voir comment les effets de Dogma ’95 se font encore sentir dans le cas des deux cinéastes, dont les parcours cinématographiques ultérieurs deviennent si différents.

Dans ce texte, je vous propose de revenir sur trois films phares de Thomas Vinterberg (52 ans), cinéaste peut-être plus calme et équilibré, si l’on parle en termes “classiques”, que Lars von Trier (qui n’a pas manqué de choquer ses téléspectateurs à la fois cinématographiquement et à travers des films qui touchent à des sujets controversés, ainsi que par sa vision de la vie et la présentation d’idées politiques qui ne peuvent être discutées maintenant), un cinéaste dont je veux me souvenir (au moins) trois films – Antichrist (2009), Melancholia (2011), La maison que Jack a construite (2018). Vinterberg a maintenu un parcours peut-être plus sûr, moins dur, en accord avec ses propres valeurs, abordant des thèmes très personnels et authentiques. Sur les onze longs métrages du réalisateur danois, je parlerai des trois films qui ont le plus réussi à solidifier le style reconnaissable de l’auteur, assurant un parcours cinématographique extrêmement précis.

En 1998, Festen / La Célébration remporte le premier prix à Cannes, un film dont le réalisateur n’est pas cité, dogmatiquement (toujours) suivant Dogma. Le film propose une réinterprétation d’Hamlet dans le Danemark postmoderne, où le plaisir se transforme en chaos sans fin. Cette fête est en fait la “cérémonie finale”, au cours de laquelle les trois enfants exposeront les traumatismes les plus brutaux auxquels ils ont été exposés par le pater familias, une cérémonie qui représentera d’une manière anticipée le point final de cette famille, contrairement à la caméra imprévisible du témoin, qui de façon fluide et continue, à la manière d’un film amateur, elle observe tout ce qui se passe “devant elle”. Vinterberg recompose, dans la version de Dogma, toute la saga de cette famille comme si elle était séparée de Fanny och Alexander / Fanny and Alexander (Ingmar Bergman, 1982), remarquant avec imagination la valeur du document pour le spectateur – la possibilité de suivre la vie des personnages avant et après ce point culminant initial. Le prochain grand succès cinématographique également nominé à la Berlinale est Submarino (2010), qui parle aussi d’un traumatisme et de la rencontre de deux frères lors des funérailles de leur mère. En l’espace de deux ans, le réalisateur danois réalise l’un des films les plus profonds de ces dernières décennies, Jagten / The Hunt (2012), un film dont les distinctions et récompenses deviennent de moins en moins pertinentes.

Je pense qu’avec Jagten / The Hunt, le thème de la convivialité et de l’intimité devient la marque de fabrique du cinéaste, que l’on retrouvera plus tard dans Kollektivet / The Commune (2016), mais aussi dans le film récent et le plus réussi du réalisateur, Druk / Un autre cercle (2018). Il me semble essentiel dans le cas des deux films (Jagten et Druk) une rencontre significative entre auteur et acteur, un exemple de travail en commun qui fonctionne à merveille pour Thomas Vinterberg et Mads Mikkelsen. Jagten tourne autour de l’éducateur Lucas (Mads Mikkelsen) dans une petite ville de province danoise, un endroit où rien ne se passe. Et précisément sur ce fond, et après quelques fausses accusations de pédophilie (qui en tant que récepteurs nous le savons depuis le début sont fausses, l’histoire n’est pas construite dans la convention d’un thriller à la Agatha Christie), la communauté – cet espace clos, sûrement – il frappera irrémédiablement sur la tête. Peut-être que la plus pertinente me semble être la manière dont Vinterberg travaille avec deux concepts fondamentaux – la vérité et la mémoire, plus précisément la manière dont la mémoire collective et individuelle semble se désintégrer à travers la répétition en boucle, sans discernement, de certaines fausses vérités, au milieu de laquelle un chemin si complexe et si délicat place l’enfant. Et cette Vérité change soudainement et fondamentalement, se subjectivant après des traumatismes générationnels et transgénérationnels. Jagten parle avec empathie de la perte de l’innocence, de l’amour qui se transforme en peur, de la (dé)culpabilité et de la fragilité, des sujets basés sur de longues études de cas réels, dans lesquels les enfants deviennent victimes à la fois d’un système social dysfonctionnel et d’un système interne dangereux. espace familial. Et placer ce sujet en plein centre d’une communauté soudée, presque idyllique, dans laquelle l’empathie fonctionne plus qu’il n’y paraît, est complètement dévastateur.

2018 voit la sortie de Druk / Another Round, le récent film de Vinterberg, également récompensé par l’Oscar du meilleur film en langue étrangère. Thomas Vinterberg et le scénariste Tobias Lindholm ont d’abord entrepris de créer une comédie dramatique sur l’importance de l’alcool dans l’histoire humaine, plaçant leurs personnages dans le même type de communauté fermée, à savoir au sein de quatre amis enseignants, qui établissent un dogme de leur propre (ici autoréférentiel) par rapport à l’alcool, utilisé en toutes circonstances, à tout moment, à des fins quasi thérapeutiques, fins qui deviennent inévitablement autodestructrices. Ida Vinterberg, la fille du réalisateur, devait faire ses débuts dans le rôle de la fille adolescente de Martin, jouée par le même Mads Mikkelsen, offrant le regard d’une enfant inquiète de la direction que prend son parent. Quatre jours après le début de la production, Ida meurt dans un accident de voiture – le traumatisme vécu par l’auteur va reconfigurer le déroulement de l’histoire initiale et rassembler pratiquement tout l’univers narratif, dominé par la souffrance personnelle. Implicitement, ce film deviendra l’histoire la plus intime, révélatrice et authentique que Vinterberg réussit à mener de manière incroyable, mêlant des éléments ludiques, absurdes, enfantins (concurrence de quatre professeurs dans une course à l’alcool et les jeux qui s’ensuivent entre eux) avec des éléments personnels drame, avec autodestruction, avec solitude, pratiquement avec les conséquences irréparables que ce “jeu” initial aura sur les quatre personnages et sur leurs familles. Une des séquences essentielles de ce film, guidée par la même précision dont j’ai parlé précédemment, est celle où, suivant tous les drames personnels et individuels que traversent chacun des quatre personnages, Martin danse (Mads Mikkelsen est le chorégraphe principal et danseur, il parvient à livrer une performance sensationnelle, dans la lignée de la partition finale du film, What a Life, interprétée par le groupe danois Scarlet Pleasure) – une séquence tellement hors du champ des conventions cinématographiques, complètement inattendue, non conventionnelle et risquée dans un sens pragmatique. , qui offre exactement ce moment d’éveil à la vie dont parle Vinterberg à propos de la mort de sa fille. Quatre professeurs devenus alcooliques seront fusionnés dans un groupe thérapeutique, conforme au vrai dont l’auteur lui-même avait besoin dans la réalisation de ce film.

“Sur le plateau, j’ai un peu l’air démocratique, mais je ne le suis pas”, a déclaré le réalisateur dans une interview en 2015 à propos de Festen et de sa propre méthode de travail, cette précision antidémocratique la plus visiblement reconfigurée dans One More Round, dans lequel, forcé par des circonstances personnelles ou non, Vinterberg crée ce film en commun avec son scénariste et Mads Mikkelsen, et cette précision dogmatique prend de nouvelles valeurs. Tout le parcours cinématographique du cinéaste est équilibré et constant, il comporte trois moments clés, qui agissent en crescendo – chez Festen, le style d’un auteur se forme inévitablement ; aux côtés de Lars von Trier, Susanne Bier, Harmony Korine, Thomas Vinterberg rejoint ce manifeste idéaliste et incroyable d’un réalisme recherché qui cesse vite de fonctionner. Mais il reste cohérent avec certains principes et précisions, plus tard encore plus visibles dans Jagten et un autre tour, ajoutant précisément ces couches de profondeur, de vulnérabilité et d’intimité, sans essayer de limiter l’histoire dans les limites de la convention imposée comme Dogma l’était en ’95. . Si au début le but était démonstratif, représenté précisément par la construction du monde originel, dans lequel il n’y a pas de lumière artificielle, de conventions de genre, de musique extradiégétique et autres interdits du décalogue du dogme, maintenant tout cela sert autant l’histoire que elle doit, non pas changer le réalisme, mais justement renforcer l’authenticité – celle diégétique, mais aussi celle liée au mécanisme même de la création du film.

Ilinca Stratton il est cinéaste.

Photo : Thomas Vinterberg (auteur photo : Magnus Fröderberg/norden.org – wikimedia commons)

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